Depuis quelque temps, lorsque je partage mes dessins sur les réseaux sociaux, on me dit : “Je suis jaloux de ton talent” devant une illustration terminée, ou encore “On a pas la même conception du moche” en voyant un croquis préparatoire…

Ces petites phrases m’ont fait réfléchir à la façon dont je perçois mon art, ma façon de travailler, mes outils, mes sujets de prédilection…
En clair, j’ai essayé de mettre des mots sur mes “aventures artistiques”, et je vais vous raconter le parcours de mon style et de cette passion qui m’anime depuis… bien trop longtemps pour compter les ans !

Mais d’abord, petites précisions importantes :

Je pratique le dessin avant tout par passion, mais je souhaiterai pouvoir un jour en faire mon métier, donc je mets tout en œuvre pour apprendre, m’améliorer, me créer un style et un univers personnels… Alors, à tous les artistes du Dimanche, ne vous comparez pas aux artistes professionnels et ceux en devenir. Inspirez-vous de leur travail, essayez de copier leurs techniques, mais ne vous démoralisez pas ! La pratique du dessin est un art, pas une compétition.

Prêts pour la suite ? Let’s go!

Talent = Travail

Il me semble nécessaire de répéter ceci une fois encore : le “talent” ne tombe pas du ciel, et n’est pas non plus distribué par une gentille fée au-dessus du berceau des enfants “élus”.
Être doué en dessin ça se travaille.
On peut être aidé par des cours, suivre des tutoriels, ou encore suivre son propre instinct…

Pour être honnête, j’ai plus ou moins suivi les trois propositions mentionnées dans la phrase précédente, et j’ai commencé à m’améliorer à partir du moment où j’ai… pris ma passion au sérieux.

Cela peut paraître contradictoire, alors je vous dois quelques explications.
Au début, comme tout artiste amateur, je dessinais par plaisir, juste histoire de créer de jolies images à empiler dans des pochettes sans jamais les regarder de nouveau.
Puis j’ai intégré une école de Design, qui m’a appris à exprimer une idée avec un dessin, mais pas à dessiner à proprement dit. Et cela m’a dégoûté du dessin. Parce que ce qui était fun au début, ne l’était plus du tout au final.
Alors j’ai commencé à dessiner pour moi, selon mes inspirations, mes envies, et à apprendre avec quelques tutoriels trouvés sur le net en fonction de mes besoins.
Et là, le dessin est redevenu fun ! J’ai eu envie de tester, à ma façon, certains outils que j’avais utilisé lors de mes études. C’est comme cela que j’ai acheté des marqueurs à l’alcool, et aujourd’hui je m’amuse beaucoup avec ! (plus que pendant mes études en tout cas…)

Tout ça pour vous dire que, dès que vous vous donnez les moyens d’assouvir votre passion, que vous y accordez du temps, de l’importance, et que vous avancez selon ce qui vous fait plaisir, en quelque sorte, vous progressez.

N’ayez pas peur de vous spécialiser ! Si vous adorez dessiner les chats, foncez !
Si je prends mon art en exemple, je fais (uniquement) des portraits et des fleurs. J’en suis à plus de 200 portraits à mon actif (en style réaliste et semi-réaliste). Mais si je dessine des chats, comment vous dire… Comme le dit si bien l’expression, pas besoin de vous faire un dessin, ça ne ressemblera à rien !

Le temps c’est peut-être de l’argent, mais pas toujours du talent

Quelques explications s’imposent.
Je vois souvent des artistes présenter leurs créations avec un message du type “J’y ai passé XX heures mettez un like”.
Peut-être que ma réflexion va attirer les foudres de certains, mais, tant que vous ne facturez pas votre art, vous avez le temps. Un très bon dessin peut se faire en quelques minutes et un très mauvais en plusieurs heures/jours.

Si vous exercez votre passion, tant que vous profitez et vous éclatez sur votre dessin, pas la peine de faire la course !
Il vaut mieux prendre le temps de faire les choses bien plutôt que de se dépêcher et de faire un dessin dont on est pas fier ; et inversement, c’est bien aussi de terminer un dessin sans s’éterniser dessus et le retoucher inlassablement au risque d’en perdre l’idée originelle.

Pour vous donner un exemple, j’ai passé plusieurs semaines sur mon illustration “Lila”. Plusieurs semaines à le retoucher, à essayer des choses… sans succès ! J’ai fini par faire une pause et le recommencer de zéro peu après, pour obtenir le résultat que je voulais depuis le début !
J’ai une pile de dessins abandonnés qui attendent que mon inspiration et ma technique évoluent pour être recommencés avec un regard neuf.

Accepter de faire des erreurs et apprendre

Cette partie fait une bonne suite à la précédente !
Il est important d’avoir des dessins ratés.
Débutants comme expérimentés (oui d’accord quand on maitrise un peu le sujet on a moins de ratés, mais quand même), il est important de tester, de se tromper, et d’apprendre pour évoluer !
Faire un dessin “moche” n’est pas le synonyme que l’on a pas de talent. Cela veut simplement dire que l’on a sûrement encore beaucoup de choses à apprendre ! (Et c’est super motivant, non ?)

Les réseaux sociaux n’aident pas à s’en rendre compte, parce que les artistes postent uniquement les oeuvres dont ils sont fiers, le contenu qui fera le plus de buzz/likes, et ne montrent pas les ratés (Personne ne montre un dessin en disant “regardez c’est moche partagez-le à la terre entière”).

De plus, si on part du principe que le dessin est une passion et doit rester fun, alors il faut rester dans sa zone de confort et ne faire que ce qui nous amuse et nous rend heureux.
Mais… est-ce que ce n’est pas un peu ennuyeux à la longue, de dessiner uniquement des petites choses toutes simples, ou de rester bloqué sur un dessin parce que le sujet est trop difficile ?
Chaque difficulté est un challenge à relever, et vous serez d’autant plus fiers si vous y arrivez !

Chaque dessin est l’occasion de tester des choses, de voir ce qui fonctionne bien (ou pas) dans notre technique, nos outils, nos préférences de thèmes… Cela permet aussi de se rendre compte de nos capacités au moment venu, et de voir ce qu’il nous faut apprendre pour réussir le dessin que l’on souhaite.

Voir les choses en grand, et recommencer

Je vais illustrer cette partie avec ma façon de dessiner des portraits au fil du temps.
Dessiner des portraits et inventer des personnages est ma spécialité. Je suis passée par plusieurs étapes avant d’arriver à la technique que j’ai aujourd’hui !

Comme dit plus haut, j’ai plus de 200 portraits réalistes ou semi-réalistes à mon actif.
J’ai passé plusieurs années à chercher, tester, recommencer, apprendre… dans le seul et unique but d’être capable de dessiner des visages de façon fidèle, réaliste, et pouvoir donner vie aux personnages qui naissent dans mes pensées.

J’ai commencé à faire des portraits en dessinant mes camarades de classe et mes proches.
J’ai appliqué la méthode donnée par mon professeur en école de design : on commence par les yeux, puis le nez… et enfin on définit le contour du visage. Bien. Mais même à force d’appliquer cette méthode, un portrait sur deux était raté. Alors j’ai cherché ma propre façon de faire !

Mes tests suivants se sont portés sur ma capacité à bien rendre les détails d’un portrait décalqué sur une photo. Oui, dans ma période “fanarts de groupes de musique”, je prenais des photos sur le net, les décalquais pour avoir les proportions, et je venais ajouter les détails, les ombres…pour bien définir les visages. Là encore, une fois sur trois, j’avais un raté. (Mes sincères excuses à tous les membres de groupes, de plus de trois personnes que j’ai pu rater, n’hésitez pas à m’envoyer un email pour que je corrige cette erreur !)
J’ai fait plus de 100 portraits avec cette technique, mais j’ai beaucoup appris !

Etape suivante, j’ai eu envie de dessiner mes propres personnages. Donc j’ai cherché une façon de dessiner des visages sans me baser sur la photo d’une personne célèbre.
J’ai appliqué la technique de “je fais un cercle, puis un triangle pour le visage et ensuite je remplis”. Super, ça a super bien fonctionné, j’étais capable de créer mes propres personnages !
Mais au bout de plusieurs dessins, je me suis rendue compte de différents problèmes :
– Tous mes personnages sont vus de face parce que je ne sais pas les faire autrement.
– Tous mes personnages se ressemblent beaucoup.

Vous connaissez le “Same Face Syndrome” ? C’est le fait pour un artiste, de faire des personnages avec le même visage, seuls les vêtements et la coiffure changent !
Le meilleur remède ? Prendre des photos de référence et arrêter de répéter encore et encore la même technique des formes géométriques qu’on nous montre dans les livres.

Ce qui nous amène à la dernière étape (pour le moment) : dessiner mes propres personnages en me basant sur des photos de personnes réelles SANS décalquer.
Challenge totalement improbable pour certains, mais j’avais accumulé tellement de connaissances lors de mes « décalquages » que j’étais capable de voir les proportions d’un visage sans aide.
Les premiers essais n’étaient pas des plus concluants, mais je n’ai pas baissé les bras pour autant ! Mais maintenant j’y arrive ! Je vous donne mon secret ?
Je commence par un cercle et un triangle pour définir l’angle du visage et me créer un repère. Ensuite je copie plus ou moins fidèlement la photo de référence choisie (cela dépend si je réalise un fanart ou si je crée un personnage).
Petit tips personnel : je commence toujours par le nez, pour me donner un repère central sur le visage.

Conclusion de cette partie, ayez toujours votre objectif en vue, même s’il est (très) complexe, et ne vous limitez pas à une méthode apprise dans un livre. Testez, mélangez les techniques et recommencez jusqu’à arriver à votre but.
Et surtout, ne baissez pas les bras !

Grandir avec son art

A tous ceux qui sont en quête de l’éternel “style de dessin”, unique et pour toujours : vous pouvez toujours chercher.

Le “style” d’un artiste est, selon mes conclusions personnelles, lié aux techniques qu’il utilise, aux apprentissages qu’il fait, à ses inspirations et à ses envies du moment.

Il fut un temps où j’avais deux voire trois styles. Maintenant je n’en ai plus qu’un, et il continue d’évoluer en fonction de ce que j’apprends. Personnellement, j’aime bien pousser les choses au plus loin de leurs possibilités pour voir ce que je peux en tirer sans aller chercher de nouvelles ressources. C’est pour cela que dans mes carnets de croquis on trouve parfois des dessins complètement différents de ce que je fais habituellement ! Test ou simple coup de génie ? Personne ne saura…

Votre style va changer, évoluer, par périodes. Des fois vous aurez l’impression de partir dans tous les sens et de vous “chercher”, puis vous aurez une longue période avec un style “stable” parce que vous aurez acquis des automatismes dans votre façon de dessiner, et tout d’un coup vous allez découvrir un truc super cool (ressource, technique, inspiration, outil…), et vous partirez de nouveau dans une phase expérimentale !

Alors oui, votre “style” va changer, mais pas tant que ça en fin de compte. Plus vous avancerez dans vos découvertes artistiques, plus vous allez vous “spécialiser” et construire un univers bien à vous reconnaissable même si vous changez de style !

Conclusion : Améliorer sa technique, tester, s’inspirer…

Pour terminer cet article, le dessin est une discipline fun, personne ne doit vous juger pour votre technique ou les outils que vous utilisez.
L’important est de vous amuser, de vous inspirer de ce qu’il y a autour de vous ou d’autres artistes, et de tester de nouvelles choses pour atteindre votre but : donner vie à votre imagination !

Pour cela, j’aime particulièrement les challenges de dessin entre plusieurs dessinateurs de tous niveaux ! Cela permet de voir l’interprétation de chacun sur un même thème, les techniques utilisées…
Vous pouvez essayer les challenges Draw this in your style par exemple !

Merci d’avoir lu jusqu’au bout, j’espère que cela vous aura plu !
Dites-moi sur les réseaux sociaux si vous souhaitez que je vous partage quelque chose sur un sujet en particulier lié au dessin, ou si vous souhaitez que je vous propose un challenge !

Prenez soin de vous, et à bientôt pour un prochain article !